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殷飙论文：古典吉他教学中的几点心得

摘要：引导学生对同一部作品的不同演奏版本进行比较，欣赏各种类型的古典音乐；并且在条件许可的前提下，适当讲解一些与古典音乐相关的文化知识，对提高学生的音乐领悟能力和表达能力有非常明显的效果。
关键词： 音乐理解  欣赏  比较  文化

由于文化的差异，中国人要准确地捕捉到古典音乐意境并使用西方的乐器表达出来，不是件容易的事情。所有的吉他教师和演奏家都呼吁演奏者应该在演奏中注意音乐感染力。但是如果仅仅是告诫学生这些，甚至通过示范演奏，学生并不能真正把握所谓的音乐感染力是什么。教师自己本人对音乐的理解学生自然会借鉴也会模仿，这是学生形成自己演奏风格之前的必经之路。但笔者认为一个好老师更应该引导学生进入音乐的殿堂，让学生凭借自己的内心去感受音乐，形成自己的风格，而不是仅仅演奏得跟老师一模一样。这是一个很漫长而渐进的过程，在这个过程中，学生需要通过大范围的汲取知识营养，形成完整的知识结构，从而提高对音乐作品的领悟和表达能力。然而对于大多数人而言，进音乐学院学习古典吉他专业不是件容易的事情。有些业余爱好者的音乐天赋不比专业学生差，但因为没有恰当的方法，他们最后演变成“偏才”。在近二十年的教学实践中，笔者做了大量尝试，试图让学生在有限的课时中得到更好的学习效果。总结起来，有以下三个方面：

首先，是要多听不同演奏者对同一作品的演绎。我们很容易发现不同的演奏家对同一首乐曲在音量，速度，音色这三方面的表现并不一致，这就是不同人对音乐感受细微差别所致。作为演奏者他所预设的目标是想通过自己的演奏能向听众传达自身对音乐的理解（不管这种理解是潜意识下的理解还是理性层次的理解），笔者认为若想从别人身上学习到什么，应该努力从别人的演奏中洞察出演奏的意图，应该让自己能平静下心去了解演奏者在音量、速度和音色三方面下的功夫，不要使用类似“好不好听”这样粗粒化的评论去总结别人的演奏。找出别人的演奏优点要比挑出别人的失误更难得，更有利于自身的成长，因为这个过程中，无意中已经经历了一次对音乐感受能力的培养。
例如泰雷加创作的《阿尔罕布拉的回忆》，这是一支轮指曲目。轮指是一项较高难的演奏技法，我们不能简单的断定某演奏家的版本最好，但在比较之后，还是能给我们自己的演奏提供一个基本的审美参考：好的轮指一定是均匀的，颗粒性很强；音色统一；音量起伏大，但能做到强而不燥，弱而不虚（见谱例1）。从技术上说，演奏者应该通过针对性的练习曲，让右手i,m,a三个手指和大拇指p达到一种力量和稳定性的平衡。这样，p指和i,m,a指都能针对音乐的需要发出不同音量的声音同时保持每个音符的饱满与统一。
谱例1  《阿尔罕布拉的回忆》片段
此曲谱面速度提示为Andante，但不同的演奏版本在实际速度上却不相同。一般来讲，140的速度是最起码的，最高不能高过180。我们可以在这个范围内，根据自身的技术水平，确定演奏速度，而不是越快越好。

其次，要多听各种类型的古典音乐。曾经有人把吉他比作一个小型的管弦乐团，因为它和声丰富，又能模仿各种乐器的音色和演奏法。然而很多爱好者都是通过吉他这种乐器来接触古典音乐的，而后他们当中大部分人演变成只欣赏关于古典吉他的古典音乐。
其实古典吉他是古典音乐体系中的一个有机的组成部分，只有熟悉古典音乐的理解和表达习惯才能演奏好古典吉他。多听其他乐器的独奏作品能对音色的美感有更敏锐的认识，多接触交响乐能让我们更了解古典音乐的内涵。这些对锻造我们自身的音乐理解能力是最为直接而有益的。
瓦尔科作曲的《小罗曼斯》的第一部分，旋律在低音声部，是模仿大提琴的演奏效果，感情深沉而悲伤。

谱例2 《小罗曼斯》片段
此处若是循规蹈矩的按曲谱演奏，音乐会显得呆板无味。对于初学四级曲目的学生来说，处理这首曲子的情感不是件容易的事情。笔者在教授这支曲目之前，一般会放一段大提琴曲给学生听。让他们直接感受大提琴的表达习惯，核心的要点就是对低音声部和高音声部在把握音色、控制音量上能有一个动态的对比、尤其是节奏上前松后紧的渐变（见谱例2）学生通过大提琴的音乐，对大提琴音色有一个感性的认识，从而提高二度创作能力。通过这样的学习策略，学生学到的不仅仅是这首曲子的演奏方法，而且学习到了音乐的涵蕴不是演奏者机械地听从乐谱音符的安排和注解就可以完全重现的。
吉他中有一些乐曲是取自其他器乐的，在改编之后，古典吉他自身音色特点让曲子焕发了新的光彩。如西班牙作曲家阿尔贝尼斯所作的《阿斯图利亚斯传奇》，和西班牙作曲家马拉茨为钢琴所作的《西班牙小夜曲》等，这些原本不是为古典吉他所作的曲子流传到现在，古典吉他反而成为演奏它们的最受欢迎的器乐。我们看看这首据说被著名指挥家托斯卡尼尼（A.Toscanini）评价说古典吉他演奏音色更为出色的《恰空》：
谱例3小提琴版本的恰空片段

谱例4 古典吉他版本的恰空 片段

对照两种乐器的乐谱， 我们很容易发现其实所谓的改编在这首曲子大体上是指法上的改变，两个版面除了一些圆滑音有标注的差异外，其余基本相同，就乐谱本身而言，这样就保持了作曲家巴赫原本的创作意图。要演奏这首极具难度的作品，我们首先要把握好曲子的音乐意境。笔者在教学的过程中，无论是让学生参照多少版本的古典吉他一定要让他们仔细地听听小提琴的演奏。只有这样，学生才能原汁原味领略巴赫的复调音乐风格。通过对比，在每一处曲段中，开启学生主动思考如何吸取小提琴的优点投放在古典吉他上，和如何发挥古典吉他的音色特征；在小提琴难以发挥的场合最大限度地既保持了原作的风格又张扬了古典吉他的优势。随着学生年龄的增长，音乐修养的提高，这些体会和处理方法会日益成熟；丰满。这个过程中，作为教师的笔者和学生双方都见证了音乐带给我们的优美和乐趣。

最后，在条件允许和达到一定演奏水平的前提下，我们还应该对演奏古典音乐做些文化层面的知识铺垫。每一部作品的诞生都有许许多的背景知识值得思考。如果不了解波兰的历史，便无法解读肖邦乐曲中的革命性。没去过西藏，不亲见那些在雪域高原上、蓝天白云下的信徒深邃的目光和一步一叩头的艰难身影，也很难深刻体会筒钦乐音中直入灵魂深处的庄严与圣洁。音乐知识的培养；乐曲时空背景的了解，都是整个完整音乐教育不可缺失的一环。但是这个重要性对于绝大多数的学生在最初的学习阶段是难以体现的，随着学生接触越多不同风格的作品，尤其同一作曲家不同创作时期的作品，这种知识对演绎音乐感染性是越来越重要的。而这种知识内化为音乐表现手法上是需要长时间的浸染，不是一蹴而就。所以笔者在整个教学实践里，注重抓住恰当的时机，对不同年龄阶段的学生安排这方面内容的学习。
其实许多杰出的演奏家都在提醒我们要注意艺术中的关联性，而不是孤立地操练乐器就能演奏好它。只有沉浸其中，多方位感受，才能更好地洞察和了解作品蕴含的意义和情感。如果我们参考世界上许多伟大的音乐家的成长经历，会发现他们对音乐的这种认识要深刻得多。十年前，小提琴演奏家穆特到中央音乐学院，有人问到如何很好地表现巴洛克的音乐风格时，她说为了对那个时期的音乐风格能有了解，她常常放下琴，去阅读那个时代的文学作品，去观看那个时代的建筑物，从中获取演绎巴洛克风格作品的灵感。我们再来看看克劳迪奥•阿劳（李斯特的学生克劳泽的弟子）的话：“当我教课时，我不但努力去唤醒年轻艺术家的音乐才能，还要同时反复灌输给他整个文化个性的重要性——读书、戏剧、歌剧、研究艺术以及古典文学。甚至研究心理学。”

    总而言之，作为西洋乐器，吉他在中国的发展时间不算长，它需要经过一个从技术层面到逻辑层面、哲学层面乃至文化层面的全方位的接受与发展。所以我们应该在适当的时候放下吉他，多角度全方位的思考。观念先于表达，理解先于行动。当我们站到更高的位置审视我们的教学时，会有更多的收获。这样的尝试，笔者还会继续进行。

参考文献

1. 梅纽因，Six Lessons with Yehudi Menuhin，人民音乐出版社，1999年

2. 谢尔盖•拉赫玛尼诺夫(Sergei V.Rachmaninoff)，艺术性演奏的基本要素，朱雅芬 译，钢琴艺术，2006/7

3. 克劳迪奥•阿劳（Claudo Arrau），钢琴大师谈钢琴演奏，钢琴艺术，2000.8